Dieses Zitat von Edvard Munch fängt einen entscheidenden Wandel in der künstlerischen Perspektive ein – eine Bewegung weg von statischen, traditionellen Darstellungen hin zu einer authentischeren und dynamischeren Darstellung menschlicher Erfahrung. Es findet großen Anklang, weil es unterstreicht, wie wichtig es ist, die Tiefe menschlicher Emotionen und die Komplexität des Lebens so zu erkennen, wie es wirklich ist, und nicht als bloße komponierte Szene oder stereotypes Bild. Munchs Engagement für die Malerei „lebender Menschen, die atmen und fühlen, leiden und lieben“ spiegelt eine breitere philosophische Haltung wider: Kunst sollte die Rohheit der Existenz und die unzähligen Emotionen, die sie definieren, offenbaren, anstatt oberflächliche Darstellungen zu präsentieren.

Das Zitat spricht auch die zeitlose Spannung zwischen Konvention und Innovation an. Munch beschließt, das Erwartete und Alltägliche aufzugeben – lesende Männer und strickende Frauen, Aktivitäten, die passiv oder eingeschränkt wirken könnten – und widmet sich stattdessen der Erforschung des reichen Innenlebens einzelner Menschen. Diese Bereitschaft, Normen in Frage zu stellen, ermutigt uns, Verletzlichkeit und Authentizität anzunehmen, sowohl in der Kunst als auch im Leben. Durch die Hervorhebung des gesamten Spektrums menschlicher Emotionen fördert Munchs Ansatz Empathie und Verbundenheit und erinnert uns daran, dass die Geschichte jedes Menschen dynamisch ist und Aufmerksamkeit verdient.

In einer Zeit, in der die visuelle Kultur häufig kuratierte Perfektion fördert, ist diese Botschaft besonders kraftvoll. Es lädt Schöpfer und Zuschauer gleichermaßen dazu ein, unter die Oberfläche zu blicken und die Komplexität dessen zu erkennen, was es bedeutet, am Leben zu sein. Menschen zu malen oder darzustellen, die wirklich „atmen, fühlen, leiden und lieben“, bedeutet, den menschlichen Zustand in all seiner schönen Unvollkommenheit zu würdigen.